in views
Mit dieser Corona-konform als Window Exhibition konzipierten und von Conmidea e.V. kuratierten Reihe wurden im CO³ Kurzfilme internationaler Künstler*innen gezeigt.
24.1.2021: View #2 – „Between Men“ von Mohamed Al-Bakeri, Ägypten
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21.2.2021: View #3 – „Baby Maybe“ von Labkhand Olfatmanesh, Iran/USA
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18.4.2021: View #4 – „Tunis von Lia Sáile“, Deutschland
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23.5.2021: View #5 – „How to remove writings from bills using nail polish remover” von Soukaina Joual, Marokko
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14.6.2021: View #6 – „Auf dem Boden der Tatsachen“ von Roshanak Zangeneh, Deutschland/Iran/Ägypten
Kurzfilme als Schaufenster-Ausstellung in Köln
Am 20. November 2020 startet die Kurzfilm-Reihe „in views“; präsentiert vom gemeinnützigen Verein Contemporary Middle East e. V. Die Reihe besteht aus einer Folge von Window-Screenings, bei denen das (Schau-) Fenster eines Ladenlokals zur Filmbühne wird und Passanten auf deren alltäglichen Wegen einen unverhofften Zugang zu Kunst ermöglicht.
Der Titel der Reihe steht für die Blicke, die das Publikum durch die Schaufensterfläche auf Kunst zum Thema Naher und Mittlerer Osten wirft. „In Views“ steht gleichzeitig auch für die jeweiligen An- und Einsichten der beteiligten Künstler*innen zu vielschichtigen Aspekten der Verbindung von westlicher Kultur und der Kultur der Mena-Region.
Die Künstler*innen nehmen etwas „in view“, machen also ihr jeweiliges Thema, ihr Anliegen oder ihre Einstellung sichtbar für uns, das Publikum. Da „in my view“ sich mit „meiner Ansicht/Meinung nach“ übersetzt, fördert der Titel der Reihe auch das Positionieren von sehr subjektiven, authentischen künstlerischen Aussagen. Inwieweit sich diese views mit denen des Publikums decken, oder die Zuschauer*innen auch kontrovers zum Dialog anregen, bleibt spannend.
Nach einem international ausgeschriebenen Open-Call werden dem Kölner Publikum nun 6 Filme unterschiedlichster Video-Künstler*innen gezeigt. Viele der Arbeiten sind erstmals in Deutschland zu sehen.
Das Fenster…
Die Kurzfilme werden im Herzen Kölns im Schaufenster eine Ladenlokals präsentiert. Das Glas der Schaufensterscheibe ist zugleich Projektionsfläche für das Bild als auch Verstärker für den Ton, der – ohne sichtbare Lautsprecher – den Bürgersteig ausfüllt und den Betrachter*innen eine körperliche Erfahrung weit über das Visuelle hinaus ermöglicht. Das Konzept des Window-Screenings passt in die aktuelle Pandemie-Lage, denn die Zuschauer*innen können die Arbeiten während der täglich 4-stündigen Ausstrahlung unter Einhaltung von Abstandsregeln vom Bürgersteig aus erleben. Sie können innehalten und gedanklich, emotional und intellektuell – jedoch nicht körperlich – ‚eintreten‘.
Über uns…
Contemporary Middle East. e.V. (www.conmidea.org) ist ein 2019 gegründeter, in Köln eingetragener gemeinnütziger Verein mit den Tätigkeitsbereichen Kunst, Kultur und internationaler Austausch aus und mit der Mena-Region. Wir entwickeln und kuratieren innovative Ausstellungsformate, um einer breiten, generations-übergreifenden, sowie kulturell- und sozial-diversen Öffentlichkeit einen Dialog zu eröffnen über aktuelle Sichtweisen auf das Miteinander in Gesellschaft, Kultur und Religion.
VIEW #1
VIEW #2
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„Wie vom Ariadnefaden geführt, gerät der Zuschauer an der Hand
eines Mädchens in ein Labyrinth verschiedener Kräfte. Tradition,
Familie, Kultur, Gesellschaft, Natur, Verführung, Zugehörigkeit,
Verantwortung… alle ziehen ihre Fäden und hinterlassen das
Mädchen – und mit ihr auch uns als Zuschauer – in einem rätselhaften Zustand kryptischer Zeichen. Das Band verwandelt sich zur
Fessel, zu kalligrafischen Symbolen, wird unsichtbar beim Tanz in Reih und Glied und taucht zerrissen und zersprengt wieder auf,
um auf neue Wege zu führen.
“
Astrid Menze, Unterstützerin von conmidea.org, über den Film
Khat-e Penhan / Hidden Line von Gazelle Samizay
Die Arbeiten der afghanisch-amerikanischen Video-Künstlerin Gazelle Samizay behandeln die Widersprüche von Kultur, Nationalität und Geschlecht aus dem Blickwinkel ihrer eigenen bi-kulturellen Identität. Samizays Werke in den Bereichen Fotografie, Video und Mixed-Media sind einem bereits größeren Publikum durch Ausstellungen in diversen Museen in den USA bekannt. Sie ist in Kabul geboren und in Washington aufgewachsen. Derzeit lebt Gazelle in San Francisco.
Mehr Info über die Künstlerin: www.gazellesamizay.com
Einen Auszug des in Köln präsentierten Films findest du hier…
In diesem Video-Interview gibt Gazelle Samizay Einblicke in ihre Arbeit
Über den Ausstellungsort:
Die Location wurde wegen der thematischen Nähe zu Kernpunkten der In-Views-Reihe ausgewählt: Die Ladenästhetik und -thematik von „Der Gute Grund“, als Mischform von Office- und Workshop-Space, kreativem Hotspot und Stätte zum Gedankenaustausch über Nachhaltigkeit und Lebensqualität in unserer Technologiegesellschaft, sowie seine Lage im multikulturell besiedelten und stark frequentierten Szene-Bezirks Kölns korrespondieren auf interessante Weise mit den gezeigten Arbeiten: Auch diese zeugen von persönlichen Biografien in multi-nationalen Lebensräumen, sie thematisieren und hinterfragen Rollenmuster und sie befassen sich mit Lebensentwürfen, Selbstfindungsprozessen und sozialen wie persönlichen Freiräumen.
Vor allem aber kommt die Kunst hier zum Betrachtenden; sie verlässt den musealen Kontext üblicher Kunstrezeption und findet ihren Platz im alltäglichen Lebensraum.
VIEW #2
„Mein Film «Between Men» betrachtet die soziale und politische Bedeutung alltäglicher Gesten und Verhaltensweisen von Männern. Was gibt uns die Körpersprache zwischen ihnen – insbesondere in männlich dominierten (Lebens-) Räumen – zu erkennen hinsichtlich Gesellschaft, Politik, Sexualität und Religion?
In meiner Arbeit reizen mich insbesondere solche Themen, die gesellschaftspoli-tische Normen hinterfragen und aufbrechen. Ich strebe nach ungewöhnlichen Möglichkeiten und Narrativen, anstatt in bestehenden Mustern und Formen zu verharren.“
Mohamed Al-Bakeri über seinen Film „Between Men“
Mohamed Al-Bakeri arbeitet als freier Künstler in Kairo, Ägypten. Vor dem Hintergrund seiner journalistischen Tätigkeiten und seiner Arbeit in den Bereichen Werbung und Marketing experimentiert Al-Bakeri in seiner Kunst mit den Medien Fotografie, Druck und Video. Er kreiert vielschichtige Bildsprachen, um vorgefasste sozio-kulturelle Normen zu dehnen und ungewöhnliche Perspektiven aufzuzeigen. Ziel seiner Arbeiten ist es häufig, unterschiedlichsten Betrachter*innen eine physische Teilhabe zu ermöglichen, indem er Empfindungen nachspüren lässt, die über das rein visuelle hinausgehen.
Mehr Info zu Mohamed Al-Bakeri auf seinem Instagram-Profil
Kontakt zu Mohamed Al-Bakeri: via Email
Im folgenden Interview gibt Mohamed Al-Bakari spannende Einblicke in seine Arbeitsweise bei der Entstehung von „Between Men“:
Der Künstler über die Intimität von Gesten:
Der Künstler über die Intimität von Gesten:
Die Art, wie insbesondere Männer miteinander umgehen, ist häufig mit physischem Kontakt verbunden. In Ägypten – oder allgemein in diesem Teil der Welt – ist die Art, wie wir uns begrüßen oder wie wir z. B. Ärger oder Aufregung ausdrücken, sehr intim.
Wenn zum Beispiel zwei Männer im Café sitzen und der eine möchte die Aufmerksamkeit des anderen auf sich ziehen, dann legt er seine Hand auf das Knie des anderen. Ob dies kraftvoll bestimmt oder sanft und dezent ausgeführt wird, macht einen großen Unterschied hinsichtlich der Bedeutung, die wir dieser Geste zuschreiben.
Ich möchte den Gesten so ehrlich wie möglich gerecht werden und extrahiere sie exakt so, wie sie ausgeführt werden. Allerdings nehme ich mir die Freiheit, die Geschwindigkeit der Geste zu modifizieren, genau wie ihre Intensität. Ist die Ausführung schnell oder langsam, kraftvoll oder sanft? Das macht in der Wahrnehmung der Geste einen entscheidenden Unterschied. Geschwindigkeit und Intensität betrachte ich daher als meine Werkzeuge, um zu gestalten wie Bedeutung, Aussage und Perspektive der Gesten rezipiert werden.
Über den intensiven kommunikativen Einsatz unserer Hände
Ich denke, dass wie so stark mit unseren Händen kommunizieren, liegt daran, dass Hände ein ausgezeichnetes Werkzeug darstellen um verschiedenste Emotionen auszudrücken. Um Mitgefühl oder Verärgerung zu zeigen, oder uns groß, bestimmt und selbstbewusst zu geben – oder uns klein zu machen, unterzuordnen und defensiv aufzutreten.
Wie wir uns bei der Begrüßung die Hand geben, was sich in den Sekunden abspielt, bevor du die Hand einer geliebten Person ergreifst, oder den Sekunden, bevor du auf der Straße zufällig in jemanden stolperst – auf solche Dinge genau zu achten, das ist für mich ein besonderer Antrieb in meiner Arbeit.
Darüber, eine Schleife mit sich wiederholenden Gesten auszuführen
Ich sehe Wiederholungen auf ganz ähnliche Weise, wie ich Stille sehe. Denn beides bringt dich zum nachdenken.
Wenn du zum Beispiel mitten in einer Unterhaltung komplett still wirst und nicht länger auf die Kommentare oder Äusserungen deines Gesprächspartners reagierst, dann kreierst du eine Leere. Und das bringt die andere Person dann dazu seine eigene Wahrnehmung zu überdenken.
Mit sich wiederholenden Gesten ist es etwas anders: normalerweise nimmst du eine Geste für bare Münze. Die Art, wie unsere Augen sehen, wie unser Gehirn funktioniert, und wie wir Gesten mit Bedeutung aufladen, formt ein unmittelbares Bild der Wahrnehmung. Aber wenn diese Geste wieder und wieder ausgeführt wird, fragen wir uns, fragen wir den Betrachter, unweigerlich, was dahinter steckt. Warum die Wiederholung? Gibt es Unterschiede von Durchlauf zu Durchlauf? Solch kleine Unterschiede oder Modifikationen füge ich üblicherweise in meinen Performances hinzu, was die Wahrnehmung entscheidend verändern kann.
Was den Anfang und das Ende der Performance betrifft, war meine Absicht eine Schleife oder ein konsistentes, geschlossenes Bild zu erzeugen, das sich losgelöst fühlt von Zeit
Über das Zusammenfügen der Choreografie:
Beim Erarbeiten der Choreografie entschied ich mich dafür jede einzelne Geste separat zu erarbeiten und die jeweiligen Möglichkeiten der Ausführung richtig tief zu durchdringen.
Nimm als Beispiel die Geste der Umarmung: Manche Männer umarmen mit einem Arm um die Schulter und dem anderen Arm um die Taille; andere legen beide Arme um die Schulter. Im Detail gibt es viele Wege eine Umarmung auszuführen. Dazu habe ich meine eigene visuelle Bibliothek erstellt, sozusagen ein Buch der Gesten – fast wie eine Bedienungsanleitung, die erklärt, wie man Dinge zusammenbaut.
So entstand die Choreographie. Ich habe jede einzelne Geste für sich genommen analysiert und studiert, welche Variationen möglich sind. Und dann habe ich im Grunde gepuzzelt: Mit welcher Geste fange ich an, mit welcher höre ich auf? Wie möchte ich, dass sich die jeweilige Geste im Laufe der Choreographie entfaltet? Und wie sehen die möglichen Wiederholungen und Formen genau aus?
Über das Bühnenbild und die schauspielerische Komponente:
Das Spiel mit Wiederholungen und kontinuierlichen Modifikationen ist die eine Sache. Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf den Entscheidungen hinsichtlich des Bühnenbilds und der schauspielerischen Darbietung. Hiermit meine ich insbesondere die ästhetischen und konzeptionellen Entscheidungen; unter anderem zum Raum, zur Kleidung oder zum Alter der Darsteller. Ich wollte einen neutralen Raum; nichts was einen spezifischen Ort nachzubilden versucht wie etwa ein Café oder eine bestimmte Strasse. Der Raum hat weisse Wände und einen Holzboden. Mehr nicht. Er hat quasi kein sonstiges Gewicht, keine überflüssigen Ebenen.
Die Darsteller tragen Kleidung, wie sie jeder tragen könnte – ganz unabhängig von Herkunft, sozialem Stand oder Bildungsniveau.
Ich sehe die Darsteller gewissermaßen als Vehikel zum Kommunizieren der Choreografie. Deshalb gibt es keine spezielle Mimik, keine sich verändernden Gesichtsausdrücke. Die Performance bleibt stoisch, konsistent, ohne Hinzufügung jeglicher Dramatik. Es ist im Wesentlichen nur eine Schleife, die dort aufhört, wo sie beginnt.
Über seine Biografie:
Den Zusammenhang zu meinem persönlichen Background sehe ich am ehesten im performativen Aspekt meiner Arbeit. Als Jugendlicher habe ich die Notwendigkeit verspürt, auf eine gewisse Weise ‚männlich‘ zu agieren, oder Dominanz und manchmal Gleichgültigkeit zu verkörpern, selbst wenn mir Dinge oder Personen ganz und gar nicht gleichgültig waren. Oder ich dachte, ich müsse Interesse in Personen oder Dinge zum Ausdruck bringen, auch wenn sie mich in Wahrheit gar nicht interessierten. Diese Art von Druck, körperlich und emotional zu ‚performen‘ – letztlich um eine Fassade darüber aufrecht zu halten, wie ich als Person wirke – hat mich wohl besonders stark beeinflusst. Ich glaube, es ist diese im wahrsten Sinne körperliche Arbeit, um auf eine bestimmte Weise zu sprechen, zu agieren und somit eine bestimmte Botschaft auszusenden, die mich zu meinen heutigen Arbeiten und Themen geführt hat.
Welchen Einfluss Social Distancing auf seine Projekte hat
Offensichtlich ist performatives Arbeiten mit einer Vielzahl von Menschen zur Zeit kaum möglich. Vor der Pandemie gab es Orte, an denen eine Ansammlung von Menschen – auch in gewisser Nähe zu einender – zusammen kommen und meine Arbeiten erleben konnten. Das gilt fürs Publikum und die Darsteller gleichermaßen. Solche Orte entfallen zur Zeit vollständig.
Aber ich erkenne sehr deutlich, dass meine Arbeiten beim Publikum mehr denn je das Gefühl oder den Wunsch nach menschlicher Nähe und Interaktion auslösen. Leider bleibt dies aktuell ein unerfüllbarer Wunsch; sowohl auf persönlicher wie auf künstlerischer Ebene.
Inwieweit „Between Men“ sich zu einer interaktiven, das Publikum einbeziehenden Performance entwickeln könnte:
Klar, das kann ich mir gut vorstellen. Es ist absolut machbar und ich war auch schon in diese Richtung unterwegs. Die Recherchen, die zu in „Between Men“ geführt haben, sind noch nicht abgeschlossen und ich denke, sie werden noch zu weiteren Ergebnissen führen; in Ergänzung zum Film.
Leider ist dies momentan stark eingebremst von der Pandemie. Deren Hürden sind allerdings auch ein Antrieb für mich, meine Beobachtungen und Fundstücke aus einem breiteren Blickwickel heraus zu betrachten, neue Möglichkeiten zu entdecken und Narrative zu entwickeln, die ich bislang in dieser Form noch nicht gesehen habe. Auf diesem Weg befinde ich mich bereits – natürlich ist das ziemlich herausfordernd, aber gleichzeitig auch spannend und, wie ich finde, sehr vielversprechend.
VIEW #3
Im experimentellen Kurzfilm „Baby Maybe“ werden komplexe persönliche Lebensfragen von Frauen aufgezeigt: ihr Bezug zu Elternschaft vor dem Hintergrund von Alter und Zeit. Die Filmemacherin Labhkand Olfatmanesh fängt rohe, unge-schminkte Emotionen von Menschen ein, wie sie durch die Interaktion mit lebensecht wirkenden Puppen entstehen. Hiermit gelingt es Olfatmanesh, das Publikum zu Fragen nach Liebe und Selbstverwirklichung zu lenken.
„In meinen Arbeiten erzähle ich äusserst persönliche und vermischte Geschichten über meine Hauptthemen: mein Selbst und meinen Bezug zur Identität in sowohl Iran als auch den USA. Dies ist eine heilsame Methode, um Einengungen und Erwartungen aufzubrechen und umzuformen in eine konfrontative Verletzlichkeit, mit der ich meine Arbeit über Identität hinaus zu größeren Themen erweitern kann.“
Artist Statement von Labkhand Olfatmanesh
Labkhand Olfatmanesh untersucht in ihrer multi-disziplinären Kunst Themen wie Feminismus, Herkunft und Isolation. Ihre Arbeiten hinterfragen die duale Ausprägungen dieser Kräfte einerseits für sie als Immigrantin in die USA und andererseits in ihrem Heimatland Iran. Ihre jüngsten Foto- und Video-Arbeiten wurden in Gruppen- und Einzelausstellungen in Großbritannien, Frankreich, USA und Brasilien gezeigt; als Teil der In-Views-Reihe ist Olfatmaneshs Arbeit erstmals in Deutschland zu sehen.
Einen Auszug des in Köln präsentierten Films findest du hier…
In diesem Video-Interview spricht die Künstlerin über die Arbeit „Baby Maybe“
Weitere Info zu Labkhand Olfatmanesh findest du auf ihrer Webseite
VIEW #4
Zwischen den Sprachen ein Meer – vier Deutsch-Tunesier*Innen suchen nach Worten. Ein dokumentarischer Experimentalfilm von Lia Sáile (2018), basierend auf dem Gedicht „Tunis“ von Adrian Kasnitz (2013).
Lia Sáile beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Praxis mit Grenzen, deren Überschreitung und Zwischenräumen, indem sie verschiedene Wirklichkeits-Fragmente und -Konzepte in Beziehung setzt und künstlerische Formen entwickelt, die politische, kulturelle und soziale Spannungsfelder erfahrbar machen. Ihre Arbeitsfelder erstrecken sich von Film über Photo bis zu Sound-, Licht- und Textil-Installationen und -Interventionen.
„Tunis“ lässt durch zahlreiche Abblenden ahnen, wie lange und wie intensiv die vier sich noch mit ihrer Aufgabe beschäftigen. Am Ende wird es drei Texte geben, ein Gedicht, eine Übersetzung sowie die Rück-Übersetzung der Übersetzung, die sich die Freiheit genommen hat, das Gedicht umzuschreiben. Und einen Film.
Andreas Altenhoff in: «poetry/film»: Gedichte – Filme – Resonanzen, Köln 2020
Weitere Info zu Lia Sáile findest du auf ihrer Webseite
CONMIDEA IM GESPRÄCH MIT DER KÜNSTERIN, April 2021
Anlässlich unseres Screenings in Köln hat Lia Sàile die folgenden, detailerten und sehr persönlichen Ansichten über ihre Arbeit und ihr Selbstverständis als grenzüberschreitende Künstlerin mit uns geteilt:
Wir freuen uns sehr, mit [TUNIS] eine Arbeit in der in-views-Reihe zu zeigen, die mit dir als deutscher Künstlerin den Blick auf das Dazwischen in interkulturellen Prozessen und Fragen wirft.
Was reizt dich an dieser Thematik und woher stammt dein Interesse an der Mena-Region?
Mich wirft diese Frage zurück zu dem Moment, in dem ich zögerte und ab da lange mit mir haderte, Euch meinen dokumentarischen Experimentalfilm [TUNIS] zuzusenden. Darf ich mich bei einer Überschrift wie „kontemporäre Nahost-Kunst“ überhaupt platzieren, ohne zum Beispiel genetische, diasporische, kulturelle Wurzeln in der Region zu haben? Dränge ich mich auf einer Plattform vor, in der Künstler*innen zeigen können, die es vermutlich systemisch und strukturell schwerer haben, in der westlich „weißen“ (Kunst-)Welt zu präsentieren, die hier ihre Sichtbarkeit zelebrieren könnten? Ihr habt mir damals total offen geantwortet, dass es euch genau um diese Schnittstelle gehe.
Mir ist wichtig zu schauen, ob meine künstlerische Auseinandersetzung einen Mehrwert hat, ob es etwas aufmacht, das fragt, anzweifelt, sucht, das verändert. Ich will auf etwas aufbauen, das mit meiner Erfahrung oder meinem kulturellen „Erbe“, meiner Lebenswelt in Verbindung steht. Mir ist es ein Anliegen, mich von problematischen ethnographischen „Studien“ und Exotismus abzusetzen und trotzdem, gerade dann, im künstlerischen Diskurs zu bleiben, statt zu sagen „sollen die doch ihre Themen und Kontexte selber reflektieren“. Wer sind denn „die“? Und sind das nur „deren Themen“? Wir leben in einer globalisierten, hyper-vernetzen Welt. Was im „Nahen Osten“ passiert, hat sowohl viele Wurzeln wie auch Auswirkungen im „Westen“ und vice versa. Viele politisch schwierige Situationen sind mit dem Westen entweder in direktem Zusammenhang entstanden oder wirken sich auf ihn aus.
Deutschland, das Land, in dem ich geboren wurde, versteht sich kulturell als ein christliches Land. Mich fasziniert und irritiert immer wieder dieser offensichtliche und simple Spannungspunkt, dass das Christentum aus dem Nahen Osten kommt, und dass diese Religion – zumindest in der katholischen Variante – nun ihren Sitz, überspitzt gesagt, in Europa, in einem eigenen unabhängigen Staat hat. Das finde ich total verrückt. Die Kreuzzüge zu betrachten, an denen Deutschland beteiligt war, oder die koloniale Geschichte Deutschlands und Europas anzuschauen, und dann all die Jahrhunderte vorzuspulen, bis in unsere heutige globalisierte Welt in der wir politisch, ökonomisch, ökologisch, geographisch in unserer Mobilität und eben auch virtuell/digital, miteinander vernetzt sind – das alles raubt mir den Atem und lässt mich fragen: wer sind wir, als Individuen, als Communities, was können wir bewirken? Wie berühren wir einander, wie schließen wir einander aus, wo fängt unsere Nähe an, wo beginnt die Fremde, wo sind Schwellen, wo stehen wir unter Spannung, wo sind Reibungen, Überschneidungen? Was gilt es zu schützen und wahren, was zu dekonstruieren oder befreien? [TUNIS] spricht diese Spannungsfelder auf vielen Ebenen an, weswegen mir viel bedeutet, den Film bei euch zu zeigen.
Man bezeichnet dich oft als Grenzgängerin. Sind hiermit die interdisziplinären künstlerischen Bereiche und Ausdrucksformen gemeint, bezieht sich das auf inhaltliche Fragen oder ist es im wörtlichen Sinne geografisch zu verstehen?
Der Begriff kommt aufgrund meiner interdisziplinären Arbeit sowie meiner Themenbereiche immer wieder zu mir zurück. Er positioniert mich als künstlerisches Identitäts-Konstrukt in einem „Dazwischen“. Da fühle ich mich in meiner Arbeit und der Art, wie ich diese lebe, sehr wohl. Es ist vielleicht sogar ein Anti-Label. Zum einen kommt es sicher von meiner geographischen Ungebundenheit. Selten habe ich ein Atelier länger als zwei Jahre, bin gerne lange Strecken ohne und arbeite eher mobil, je nach Projekt. Für meine künstlerische Praxis bleibe ich in vielerlei Hinsicht in Bewegung; vom Medium, Material, über Orte bis hin zu Prozessen und Themen möchte ich künstlerisch gerne temporär und mit einer bleibenden Offenheit verdichten und dann wieder weitergeben, statt etwas platt zu verfestigen, zu versiegeln. Mein Wunsch wäre, meine eigenen Arbeiten in ein paar Dekaden anzuschauen und darin sowohl das zeitgemäße als auch das vorausschauende wiederzufinden.
Wie bist du zur Kunst gekommen? Was ist deine Motivation Künstlerin zu sein?
Meine Kunst entsteht aus einer Notwendigkeit heraus, so kann ich es vielleicht zusammenfassen. In ihr kann ich mich am Freisten bewegen. Kunst fordert heraus und gibt nichts vor, wenn man sich traut, das so anzunehmen. Das ist einschüchternd, anstrengend, sowie bereichernd und lässt in alle Richtungen wachsen. Bisher erfüllt und verbindet sich alles in meiner Kunst. Mein Weg hierher war direkt wie verworren zugleich. Ich habe keine klassische Künstler*innen-Biografie durchlaufen. Meine Verortungen in der Kunstwelt seit über einer Dekade sind selbstgebaut, ohne Geländer einer klassischen Ausbildung. Ich habe einfach immer gearbeitet. Erst jetzt nutze ich das Privileg einer Academy of Media Arts in Köln als postgraduale Studentin. Studiert hatte ich vorher Theater-, Film- und Medienwissenschaften in Wien, was mich sehr bereichert und gestärkt hat. Meine Wurzeln kommen aus dem performativen, theatralen, auch musikalischen Bereich, es ging dann über Fotografie und Bewegtbild immer weiter in die Medien- und Materialvielfalt.
Eine ganz persönliche Frage bzw. ein feministischer Exkurs: Du bist zugleich Künstlerin und Mutter. Eine gängige Vorstellung ist es, dass Kunst zu schaffen nur mit einer absoluten Ausschließlichkeit funktioniert. Was bedeutet dies – deiner Meinung nach – für die Akzeptanz und die Karierre als Künstlerin? Spielt das Mutter-sein für deine Arbeit eine Rolle oder hat es nichts miteinander zu tun?
Finde ich großartig und wichtig, die Frage. Über allem lastet die systemische, strukturelle Komponente, die sich auf die Lebbarkeit und Machbarkeit des Konzepts „Mutter und Künstlerin“ im 21. Jh., z.B. in Deutschland bezieht. Man „darf“ ja alles – aber geht das? Wird man weiter ernstgenommen? Geht das finanziell? Wird man mental aufs Abstellgleis gestellt? Die Erzählungen von Kolleginnen – nicht Kollegen! – reichen von abgesagten Residencies und Ausstellungen, über sexistische Kommentare bis hin zu simplen Fakten wie, dass es kaum z.B. Residencies gibt, die familienfreundlich sind, geschweige denn Galerien Betreuung bei Aufbauten oder Rücksicht bei Produktionsläufen nehmen. Das sind Realitäten, denen Frauen mit Kindern ausgesetzt sind, die nur sehr schwerlich angegangen werden. Väter haben dieses Problem (dazu gibt es Studien) wenig bis gar nicht, da erstmal angenommen wird, dass sich die Partnerin kümmert.
Künstlerinnen haben oft Angst, darüber zu reden, sich zu „outen“. Es wird immer noch unbewusst angenommen, dass man als Künstlerin nicht gut sein kann, wenn man Mutter wird, als komme einem da bei der Geburt irgendwas auf immer abhanden. Auch wird oft vermutet, man mache danach nicht weiter. Die Kunstbetrieb ist ohnehin prekär und Frauen sowieso statistisch nachweislich stark benachteiligt. Da gibt es verschiedene Strategien des Umgangs, nicht zuletzt Selbstausbeutung im Sinne von kapitalistischem Produktionsdrang bis zum Burnout, über strategisch vorgefertigte Arbeiten in der Schwangerschaft, um sie im ersten Jahr zu ‚releasen‘, bis hin zu finanzieller Verausgabung in Kinderbetreuung. Das bewusste, entspannte Aussetzen ist da vermutlich schon ein Akt des Protests.
Marina Abramović, die ich sehr schätze und die viel für Frauen im Kunstbereich bewegt hat, hat 2016 im Tagesspiegel gesagt, Frauen seien nicht so erfolgreich wie Männer, da sie Kinder haben wollen, was ihre Energie einschränke. An ihrer eigenen Biographie zeigt sie auf, dass man nur durch den Verzicht letztlich eine erfolgreiche Künstlerin werden kann. Dies erscheint mir wie ein Glaubenssatz, der in einer Solidargemeinschaft, einer modernen Demokratie, die Gleichberechtigung zu schaffen versucht, eigentlich nicht mehr hingehört und ganz klar Frauen ausgrenzen und einschränken will. Lehnt sich aber sicher auch an das Mysterium des männlichen Genies und dessen Schaffens an.
Ich möchte Mut machen; denn ich arbeite teils effizienter und geduldiger, meine Ideen entstehen in neuen Prozessen, was ich auch auf die meditativen Momente zurückführe, die Entschleunigung, den Rückzug, die neue Art, sich auseinanderzusetzen. Mein Fokus hat sich verschärft, meine Interessen reifen weiter, neue Erkenntnisse und Erfahrungen kommen hinzu. Ich fühle mich eigentlich vor allem bereichert und produktiver. Das liegt aber auch an meiner partnerschaftlichen Situation. Nicht zuletzt erlaubt mir die erhöhte Verletzlichkeit und Sensibilität eine ganz neue Art des Denkens und Arbeitens. In meiner beruflichen Umgebung kam vor allem positives Feedback und neue Arbeits- inklusive Hilfsangebote.
Gerne fungiere ich als Vorbildfunktion und Aktivistin, denn gewissermaßen bin ich immer noch sowas wie eine Vorreiterin und möchte beitragen, Strukturen zu verändern, indem ich darüber spreche und einfordere. Es gibt übrigens auch verschiedene Initiativen, die sich dem Thema annehmen, zum Beispiel And She Was Like: Bäm! in Köln oder Kind & Kunst in München.
Kannst du uns etwas über den Entstehungsprozess zu [TUNIS] erzählen? Uns einen Blick hinter die Kulissen gewähren?
Dieser dokumentarische Experimentalfilm, in dem vier Deutsch-TunesierInnen des Kölner Vereins Voices of Jasmine e.V. ein Gedicht eines deutschen Mannes, Adrian Kasnitz, scheinbar über die Stadt Tunis, ins Tunesisch-Arabische übersetzen und dabei immer mehr Fragen zu Sprache, Kultur, Identität und Politik aufkommen, ist ein Grenzsprenger in vielerlei Hinsicht. Ich könnte jetzt auf die vielen verschiedenen Dimensionen inhaltlicher Natur der Gespräche eingehen, die Interkulturalität so brillant zwischen diesen vier Köpfen haben aufleben lassen. Das lasse ich aber an dieser Stelle den Film machen. Gehen wir auf die künstlerische Umsetzung stattdessen ein; denn das geht beim Genre los und hat mir zu Beginn viele Hindernisse geschaffen; Poetry Filme sind ein Genre, in dem Gedichte oft filmisch illustriert oder narrativ umgesetzt werden, vielleicht mal deskriptiv experimentell; es gibt da ganz tolle Arbeiten. Aber in diesem Genre ein fast dokumentarisches Format zu entwickeln, das ein Gespräch aufzeichnet, in dem *über* ein Gedicht gesprochen, geschweige denn, dieses *übersetzt* wird, und dann noch in einen arabischen Dialekt, und dabei der Prozess auch noch der relevante Aspekt ist, nicht das Gedicht selbst, das ging für einige zu weit. Ich habe sehr an dem Konzept festhalten müssen und es gegen einigen Widerstand und Fragen durchgezogen. Übrigens eine ewige Begleiterscheinung meiner Arbeiten, die selten in ein Format oder Genre passen. Der Film sprengt das Genre, bricht also aus den eigenen Grenzen heraus, und fächert dabei diverse neue Ebenen auf.
Ein weiterer Aspekt ist zum Beispiel der englische Untertitel, der essentieller Bestandteil der Kunstarbeit ist, statt nur begleitendes Vermittlungsmedium. Er bringt eine vierte Sprache ins Spiel, die sich als weitere Ebene visuell über die filmische legt. Auch in dieser Sprache werden nicht alle Wort-Such-Momente der Deutsch-Tunesier*innen übersetzt, genau wie im akustischen Teil des Films. Das heißt, einige Begriffe erschließen sich nur Arabischsprechenden oder im weiteren Verlauf des Films. Das wird mit der Einblendung arabischer Schrift einiger Worte nochmal intensiviert, die ebenfalls kryptisch bleibt, was also das Nicht-Verstehen auf eine weitere Ebene erhebt und sichtbar macht. Ein weiterer spannender Schritt, den man jetzt kaum erahnt, war auch die Transkription des gesamten Materials, aber auch die gesamte Übersetzung aller arabischen und französischen Teile, und das alles mit Zeitmarkern, um mir den Schnitt möglich zu machen. Das hat Ferdaous Kabteni sehr akribisch geleistet. Also auch die Post-Produktion basierte auf Übersetzung und Rückführung in das Medium Text.
Visuell ist der Film ein Mischwesen aus dokumentarischer Herangehensweise und einer damit kollidierenden, fast studioartig wirkenden Szenerie rund um ein Sofa, was aber tatsächlich einfach mein damaliges Wohnzimmer war. Visuell wird sehr feinfühlig, ästhetisch, lyrisch, das Geschehen in Nahaufnahmen eingefangen. Es gibt keine Totalen, der Raum wird nicht aufgelöst oder erklärt, der artifiziell geschaffene Kontext des Gesprächs nicht erläutert. Man steigt mitten im Gespräch ein. Schwarzblenden fragmentieren den Prozess, verweisen auf die verschwimmende filmische und echte Zeit, lassen manche Sätze im Dazwischen, in der Leere hängen und nachklingen. Die Wort-Suche, der Austausch der Protagonist*innen ist auf einem unglaublichen Niveau.
Meine fantastische Kamerafrau DOP Katja Rivas Pinzon hat eine schwere Handheld-Kamera 6h auf der Schulter gestemmt und mein Wunschformat, nah um die Sprechenden und Ihre Texte, Gesten, Bücher, Blicke herum zu kreisen, so großartig umsetzte. Auch hier wurde mir mehrfach empfohlen, auch Totalen einzubauen, mehrere Kameras zu verwenden, eher stille Positionen einzubauen, um einem klassischen Gesprächs-Setting mehr zu entsprechen, doch mir war die Dynamik und das Mittendrinsein, das Fragmentierende, der wichtigste Aspekt der Arbeit. Es geht um den Prozess selbst. Die Filmproduktion hat auch klar die geplante Tag-Nacht-Grenze überschritten, da wir nie dachten so lange zu drehen. Im Nachhinein bin ich Rivas Pinzon endlos dankbar, auf einen einzigen Scheinwerfer gepocht zu haben, den ich mehrfach ablehnte – wir hätten im Dunkeln gesessen und ich hätte kaum a-chronologisch schneiden können. Der Schnitt war ein nervenaufreibender Marathon; 6h Material in 15 Minuten zusammenbauen, viele Lieblingsmomente gehenlassen, Verschärfen, Reduzieren, mehr Raum lassen, entfalten lassen – eine wunderbare Qual, wenn man das Material kennt. Filmmontage ist sowieso eine Grenzerfahrung für sich.
Du hast bereits sehr viele Interessante Projekte realisiert und ausgestellt. Viele haben ortsspezifische Bezüge. Welche Bedeutung hat der Ort in deiner Kunst?
Orte auch als verhandelbare Zwischen- und Nicht-Orte zu erkennen, als Katalysatoren, erzählende, Assoziationen aufmachende Agierende, ist glaube ich einer der mir wichtigsten Aspekte, und das äußert sich nicht immer zwangsläufig in der finalen Arbeit. Gerade der Titel [TUNIS] ist ein schönes Beispiel, in dem sich alles um einen Ort dreht, den man nie sieht, der über sich hinaus verweist, als etwas nahes und fernes zugleich.
Woran arbeitest du aktuell sonst noch? Worauf kannst du uns neugierig machen?
Zum Beispiel ein von der Stadt München gefördertes Projekt, das im Mai stattfindet, ist initiiert durch den Verein Pulse of Europe, der an mich herangetreten ist. (Als Nebennotiz sei gesagt, dass gleich Babybetreuung & Co in der Umsetzung angeboten wurde!) Der Verein bat mich, für sie ein Kunstprojekt im öffentlichen Raum zu entwickeln, das sich mit dem Thema Solidarität im Kontext der Europäischen Union beschäftigt. Wie nicht verwundern wird, habe ich das Thema stark dekonstruiert und jetzt eine wie ich finde, dynamisch berührende, raumgreifende Herangehensweise gefunden; die Arbeit wird aus über 70 Metern Stoff bestehen. Auch hier habe ich die Schwelle zum Nahen Osten nicht unberührt gelassen, soviel sei schon verraten…
VIEW #5
„Mit besten Grüßen“, „Für ewig“, „Herzlichen Glückwunsch“, „In Liebe dein“…
Solche Grußworte finden sich auf Ägyptischen Geldscheinen wieder; handschriftlich notiert, um Momente besonderer Bedeutung zu verewigen. Es kann um Geburtstage gehen, um Mitbringsel oder um Bezeugungen von Liebenden. Diese Tradition griffen die Bürger Ägyptens auf, um in Zeiten zunehmender sozialer Spannungen Solidarität und Widerstandskraft zum Ausdruck zu bringen. Dies wurde im März 2019 unterbunden; seither werden beschriebene Banknoten auf Anordnung der Ägyptischen Zentralbank von Banken nicht mehr akzeptiert. Die Geldscheine sind wertlos geworden.
„How to remove writings from bills using nail polish remover” ist die Video-Dokumentation einer Performance von Soukaina Joual, bei der die Künstlerin einen einfachen repitativen Prozess wieder und immer wieder ausführt: die Geldscheine werden gereinigt, doch anstatt damit wieder zum Zahlungsmittel werden zu können, werden sie beschädigt und langsam zerstört; sie verlieren ihren Wert also vollends.
Soukaina Joual is eine Marokkanische multidisziplinäre Künstlerin, deren Performance-Kunst – als Live-Performance oder Videomitschnitt – bereits Teil zahlreicher Projekte und Ausstellungen in Marokko, Deutschland, Frankreich, Japan, Süd Korea und Ägypten war.
Solche Grußworte finden sich auf Ägyptischen Geldscheinen wieder; handschriftlich notiert, um Momente besonderer Bedeutung zu verewigen. Es kann um Geburtstage gehen, um Mitbringsel oder um Bezeugungen von Liebenden. Diese Tradition griffen die Bürger Ägyptens auf, um in Zeiten zunehmender sozialer Spannungen Solidarität und Widerstandskraft zum Ausdruck zu bringen. Dies wurde im März 2019 unterbunden; seither werden beschriebene Banknoten auf Anordnung der Ägyptischen Zentralbank von Banken nicht mehr akzeptiert. Die Geldscheine sind wertlos geworden.
„How to remove writings from bills using nail polish remover” ist die Video-Dokumentation einer Performance von Soukaina Joual, bei der die Künstlerin einen einfachen repitativen Prozess wieder und immer wieder ausführt: die Geldscheine werden gereinigt, doch anstatt damit wieder zum Zahlungsmittel werden zu können, werden sie beschädigt und langsam zerstört; sie verlieren ihren Wert also vollends.
Soukaina Joual is eine Marokkanische multidisziplinäre Künstlerin, deren Performance-Kunst – als Live-Performance oder Videomitschnitt – bereits Teil zahlreicher Projekte und Ausstellungen in Marokko, Deutschland, Frankreich, Japan, Süd Korea und Ägypten war.
Weitere Info zu Soukaina Joual findest du auf ihrer Webseite
Und hier ist ein Interview, das wir mit der Künstlerin über die Entstehung von „How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover“ geführt haben:
Du stammst aus Marokko – wie kamst du auf die Idee für eine Video-Performance über die Notizen auf ägyptischen Geldscheinen?
Während meines einjährigen Aufenthalts in Ägypten in den Jahren 2018-2019 habe ich verschiedene Projekte entwickelt und eines davon ist „How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover“. Ich habe diese Video-Performance als Reaktion darauf erarbeitet, dass die ägyptische Zentralbank den Umlauf von Geldscheinen verboten hat, die Schriftzüge, Siegel oder grafische Zeichen und Slogans tragen, so dass diese in Banken nicht mehr akzeptiert werden. Hiermit sollte den Bürgern die Möglichkeit genommen werden, vor dem Hintergrund der schwierigen innenpolitischen Situation Ägyptens Widerstandsfähigkeit und Solidarität zu manifestieren.
Ich wurde auch von vielen ägyptischen Artikeln inspiriert, die nach dem Verbot herauskamen und verschiedene Möglichkeiten thematisierten, wie man die Handschrift von den Geldscheinen entfernen kann. Ich entschied mich, diese Schritte zur Reinigung nachzuvollziehen, wobei jeder einzelne der Scheine beschädigt und am Ende zerfetzt zurück blieb, so dass die eigentliche Funktion und insbesondere der Wert verloren ging.
Schreiben die Leute auch in Marokko Phrasen auf Geldscheine? Wenn ja, hast du irgendwelche Unterschiede zu den ägyptischen Phrasen festgestellt?
Bei meiner Ankunft in Ägypten war eines der Dinge, die meine Aufmerksamkeit erregten, die Schriften, Phrasen und Siegel auf den Geldscheinen. Die Menschen dort verwenden diese handschriftlichen Notizen zum Festhalten besonderer Momente, z. B. einem Geburtstag oder Glückwünsche für eine Person, Liebessprüche oder ein Souvenir.
Im Gegensatz dazu verbietet das marokkanische Strafgesetzbuch die vorsätzliche Verwendung eines Geldscheins oder einer Münze als Medium für eine Nachricht oder eine Werbung; ganz grundsätzlich ist jegliches Schreiben darauf untersagt.
Was haben die folgenden Dualitäten aus deiner Sicht mit den Schriftsätzen auf den Geldscheinen zu tun: Öffentlicher und privater Raum; das Individuum und die Gemeinschaft; Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit; Zugehörigkeit und Abwesenheit?
Die handschriftlichen Statements fungieren als Ausdrucksform, als stille
Demonstration, als Medium des Austauschs, das öffentlich und privat zirkuliert und über das Individuum hinausgeht.
Der Akt des Verbots und des Entfernens der Schriften von Scheinen kann als eine Art der Auslöschung eines kollektiven Gedächtnisses gesehen werden, als Entfernung jener Identität, die eine Gemeinschaft prägt.
Auffälliger roter Nagellack! Was war der Gedanke dahinter?
Ich wollte den Betrachtenden ein kleines Symbol hinterlassen, damit sie sehen, wie der rote Nagellack, den ich trage, während der einstündigen Performance mit dem Nagellackentferner reagiert. Er nutzt sich an den Rändern langsam ab, während der Haufen der Geldscheine wächst und die Schriften verschwinden. Etwas an dieser Bildsprache finde ich auch etwas gruselig; die langsame und sich wiederholende Zerstörung der Geldscheine und die behutsame Handhabung der Scheine in einer Kulisse, die so ordentlich, fast chirurgisch wirkt.
Als multidisziplinäre Künstlerin verwendest du verschiedene Materialien und Methoden für die Herstellung deiner Werke. Woher stammt die Inspiration für deine Arbeit?
Meine Praxis wurde schon immer stark von meiner Umgebung, meinen Erfahrungen und Begegnungen beeinflusst. Die Wahl des Mediums erfolgt dabei sehr intuitiv, in dem Sinne, dass, wenn ich vollständig in einen bestimmten Kontext eintauche und mich darauf einlasse, es normalerweise einen Moment des Verständnisses gibt, der mir das geeignete Medium nahe legt.
VIEW #6
Kairo, 2011 bis 2012. Eine historische Periode und ich bin mitten drin in den Ereignissen. Aber ich richte meine Kamera absichtlich nur nach unten. In Ergänzung zur Klangaufnahme der Metropole – mit all ihren Facetten – filme ich lediglich den Fussboden und was immer mir dort vor die Kamera gerät. Aus dieser Perspektive werden die Unordnung und der Müll, die Füße und die Schuhe, aber auch der Boden selbst zu Auslösern für die Vorstellungskraft der Betrachter*innen. Durch das konsequente Einhalten meiner Kamera-Ausrichtung zitiere ich die visuellen Gewohnheiten, die mit der Vogelperspektive und der Vorherrschaft einer Zentralperspektive einhergehen, doch zugleich dekonstruiere ich diese auch.
Aus rein medien-ästhetischer Sicht ist mein Hauptanliegen jedoch, dem Auditiven die wahre Aufmerksamkeit zukommen zu lassen: Der Klang ist die einzige Referenz zum Ungesehenen.
Die Künstlerin über ihren Film „Auf dem Boden der Tatsachen“
Vor dem Hintergrund ihrer journalistischen und kulturwissenschaftlichen Tätigkeiten bedient sich die Konzeptkünstlerin Roshanak Zangeneh unter-schiedlicher Medien-Formate. Ihre Arbeiten umfassen Film, Fotographie und Bücher, die in mehreren Orten in Europa sowie dem Mittlerem und Nahen Osten veröffentlicht und verlegt wurden.
Geboren im Iran und aufgewachsen in USA und Deutschland, lebt Zangeneh heute in Kairo, Ägypten. Neben ihrer Arbeit als Künstlerin ist Roshanak auch Mitbegründerin von Contemporary Middle East e. V. (conmidea.org).
Weitere Info zu Roshanak Zangeneh findest du auf ihrer Webseite
IMPRESSIONEN
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